Fundació Miró


EL ARTISTA CARLOS DANÚS TRABAJANDO EN LOS TALLERES DE OBRA GRÁFICA DE JOAN MIRÓ



Del 17 al 28 de abril

El artista Carlos Danús está trabajando en Son Boter, en la Fundació Pilar i Joan Miró, en un proyecto de fotogravado y aguatinta. El objetivo es crear una instalación para una exposición colectiva que tendrá lugar en una galería de Palma.

El reto de este artista es la conjugación de obra plástica y un mensaje que ponga en evidencia la clasificación y el control social en la creación de estereotipos y “etiquetas”. La idea inicial fue gestada en el Taller de Fotogravado que tuvo lugar este verano en los Talleres de Obra Gráfica de Joan Miró, impartido por Juan Lara.

El proceso de creación es una obra de arte en si mismo.

 



James Lambourne. Memòria de la llum, 2012



■ James Lambourne (Londres, 1956)

Artista multidisciplinar que, a través del conocimiento de diversas técnicas de expresión gráfico-plásticas, consigue plasmar su imaginario personal, el cual asocia a las acciones que, de forma lúdica pero vital, lleva a cabo desde la infancia. Su discurso manifiesta el diálogo que el artista entabla con su entorno, y su estrecho vínculo con la naturaleza plantea una forma de lectura del medio muy viva y comprometida. La obra de Lambourne es la huella de su diálogo con la tierra. Se podría entender como un conglomerado que hay que desfragmentar y descifrar, para así encontrar el sentido de su expresión.

Entre sus exposiciones, destacan "Cicles", llevada a cabo en los espacios exteriores de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca del 24 de junio al 17 de septiembre de 2006.

En 2012 es uno de los artistas invitados en los Talleres Gráficos para realizar la serie “Memoria de la luz”.


James Lambourne
Memoria de la piedra I
Impresión digital e intervención a mano
Papel: Sommerset velvet 330gr
Medidas papel: 85 x 105 cm
Edición: 7 ejemplares de las 3 imágenes. 2 P.A. y 3 H.C. y 1 B.A.T.

James Lambourne
Memoria de la luz
Impresión digital e intervención a mano
Sommerset velvet 330gr 85 x 105 cm
Edición: 7 ejemplares de las 3 imágenes. 2 P.A. y 3 H.C. y 1 B.A.T.

James Lambourne
Memoria de la piedra I
Impresión digital e intervención a mano
Papel: Sommerset velvet 330gr
Medidas papel: 85 x 105 cm
Edición: 7 ejemplares de las 3 imágenes. 2 P.A. y 3 H.C. y 1 B.A.T.

 

Enlaces relacionados

web




Antonio Miralda. Papa Stomacal d'après Miró, 2011



■ Antonio Miralda (Tarrasa, Barcelona, 1942)

Es un artista multidisciplinar catalán. Desde los años 60, ha experimentado con la fotografía, el cine, la escultura, los frottages-collages, carteles, muebles, pintura mural. Muy conocido por sus acciones espectaculares como “Honey Moon Project”, enlaces simbólicos entre la estatua de la Libertad en Nueva York y la estatua de Colón de la ciudad de Barcelona.

Si se revisa su currículum, Miralda es un artista inclasificable que ha expuesto en toda Europa y en los Estados Unidos y que ha sido seleccionado en la Documenta de Kassel y la Bienal de Venecia, entre otros, pero toda su obra, plural y diversa, mantiene una coherencia conceptual y de calidad muy elevada.

El tema que ahora ha abordado es el de las radiografías del estómago, ligado evidentemente a todos sus antiguos proyectos -sobre todo en Nueva York y Miami-sobre la cuestión de la comida y la gastronomía, y un proyecto más reciente que es el Food cultura Museum (2000-2010).

A través de su lenguaje visual impactante y sorprendente, en muchos casos debido a la escala enorme que suele utilizar en sus obras, el resultado responde a una serie de obras muy pensadas y analizadas. Este proyecto de edición, realizado en el 2011 en los Talleres Gráficos, toma el título de “Papa Stomacal d’aprés Miró” y representa dos partes diferenciadas, a la izquierda, el día y, a la derecha, la noche, abordando de manera tangencial el tema gastronómico a través de unas radiografías del estómago del propio artista que se superponen a un dibujo de Joan Miró denominado La pomme de terre. El Resultado se convierte en un gran atlas gastrointestinal que propicia un dialogo entre las formas orgánicas de Joan Miró y las derivadas de los órganos digestivos.

Antonio Miralda

Papa Stomacal d'après Miró
La obra toma como punto de partida el dibujo de Joan Miró La pomme de terre de 1928.
Edición: 5 ejemplares. 2 P.A , 3 H.C. i 1 B.A.T.


 



Patricia Gómez y Mª Jesús González. Habeas corpus, 2011



■ Patricia Gómez y María Jesús González (Valencia, 1978)

Ganadoras del Premio de Fotografía de El Cultural (2010) trabajan juntas desde el año 2002 desarrollando una serie de proyectos que tratan de recobrar la memoria de lugares inmersos en curso de desaparición o abandono, a través de las intervenciones en el interior de edificios y espacios deshabitados.

“Proyecto para cárcel abandonada” es un proyecto de recuperación realizado en 2011 en la antigua prisión de Palma, con el objetivo de extraer un registro material de su estado y generar, en último término, un archivo físico y documental que permita conservar el recuerdo y la memoria impresa en los muros de esta histórica prisión. El proyecto se amplía al surgir la particularidad que permite a las artistas convivir y trabajar junto a los siete únicos habitantes que habitan en la prisión. En este contexto la mirada subjetiva viene a ser compartida por una nueva visión, la que surge a partir de los ojos y la experiencia de los internos.

Paralelamente, a la exposición individual realizada en la Fundació Pilar i Joan Miró, Patricia Gómez y María Jesús González realizan una edición de impresiones digitales en los talleres de obra gráfica que muestra el estado de la antigua prisión de Palma. Un recorrido fotográfico del edificio a través de seis estampas que muestran una cárcel descarnada que permite ver detalles que antes sólo vieron unos pocos y donde las paredes hablan, cargada de muestras de expresión gráfica como mensajes, dibujos, graffitis u objetos, conservados todavía en cada rincón de sus muros y procedentes tanto de los presos que habitaron la prisión como de los curiosos que en ella se adentraron.


Patricia Gómez y María Jesús González

Habeas Corpus, 2011
6 impresiones digitales
Papel Hahnemühle Photo Rag 308g 119 x 89 cm
Soporte: plancha de aluminio
Edición:: 6 + 3 P.A. + 3 H.C.

 

Enlaces relacionados

web




Democracia: Pablo España e Iván López. Ser y Durar, 2010



■ Democracia. Pablo España y Iván López (Madrid, 1970)

Pocos artistas como Pablo España e Iván López, que forman el dúo artístico Democracia, se internan en las estructuras simbólicas e iconográficas de la violencia y en su configuración social, política, cultural e imaginaria. Fundadores y miembros del grupo El Perro, disuelto en 2006, Democracia se define como un "sistema" en los proyectos del cual participan eventualmente colaboradores de diversos ámbitos: diseñadores, fotógrafos, grafiteros, músicos, montadores, colectivos de artistas, impresores, etc.

En 2010 realizan una serie de fotografías en el cementerio de la Almudena de Madrid, editadas en los Talleres Gráficos de la Fundación, que se expusieron en “Contra el público” bajo el título Ser y Durar.

En Ser y Durar, Democracia propone a un grupo de traceurs que recorran por el Cementerio Civil del Este (Madrid), relacionando prácticas críticas de la cultura urbana "con la memoria de los luchadores de ejércitos, de organizaciones sociales y políticas que promovidos por valores humanistas aspiraron a una utopía, mientras los grandes relatos emancipadores de la Modernidad aún tenían sentido ". Muertos o asesinados y enterrados bajo el signo de la lucha y el ateísmo, que yacen olvidados en las tumbas, han dejado sus epitafios para los suyos y los visitantes anónimos de un futuro que nunca imaginaron. Evocaciones del idealismo miliciano, de la solidaridad obrera, de los sindicatos anarquistas, del entusiasmo por una victoria que nunca llegó, soñadores de un mundo mejor, aplastado por el fascismo.


Democracia
Ser y Durar, 2010
Impresión digital
Papel Hahnemühle Photo Rag 308 g 119 x 89 cm
Edición: 5 ejemplares. 2 P.A., 3 H.C., 1 B.A.T.

 

Enlaces relacionados

web democracia




Rafel Joan. Sin título, 2010



■ Rafel Joan (Palma de Mallorca, 1957)

De formación autodidacta se nutre del entorno y de la influencia de sus viajes a Nueva York, Italia, Marruecos, Barcelona, etc. Ha participado en numerosas exposiciones nacionales e internacionales y en ferias como Art Basel, Arco de Madrid y Arte London.

Rafel Joan no pinta paisajes, sino todo lo que hay detrás de ellos, sus obras son mapas detallados de ninguna parte, porque al artista le gusta perderse para encontrarse. Sus obras, vistas de cerca, encierran infinidad de obras dentro. En palabras del artista: "Pasó de pintar bajo tierra a ascender y ver la línea del horizonte desde otros ángulos, hasta sobrevolar el paisaje". Así nace la serie de grabados realizados en los talleres de la Fundació Pilar i Joan Miró a Mallorca en 2010.

Rafel Joan
Sin título
Serie de grabados con la técnica de: barniz blando directo y lavis, y aguatinta al azúcar y lavis
Dimensiones: 32 x 23 cm / 24 x 18 cm
Edición: 30 ejemplares, 3 H.C.

 



Christiane Lörh. Sin título, 2009



■ Christiane Löhr (Wiesbaden, Alemania, 1965)

Estudió Egiptología y Arqueología antes de asistir a las lecciones que Jannis Kounellis impartía en la Kunstakademie de Düsseldorf (1994-1996). Desde entonces, las numerosas becas que ha ganado le han permitido viajar a lugares tan diferentes como India, París o San Francisco y le han dado la posibilidad de experimentar y descubrir nuevas conexiones con su obra. En la actualidad, Christiane Löhr vive y trabaja entre Colonia (Alemania) y Prato (Italia). Inició su trayectoria expositiva en los años 90 participando en numerosas muestras colectivas e individuales de carácter internacional. En 2001 es seleccionada para participar en la Bienal de Venecia.

Tanto la concepción de la obra como el procedimiento de trabajo siguen una trayectoria paralela a las constantes del minimalismo: alcanzar la pureza estructural mediante el uso preciso de los materiales y una economía de lenguaje y medios. La creación de cada una de sus obras se convierte en un experimento sobre el potencial de las plantas, una investigación sobre el desarrollo de nuevas formas. Fragilidad, geometría, tensión, orden y equilibrio son algunas de las características definitorias de las obras de Christiane Löhr, calidades también aplicables a la arquitectura, con la que la artista encuentra múltiples conexiones. Tanto en sus dibujos como grabados la artista se deja llevar por la impulsividad de los gestos para explorar las infinitas posibilidades de ocupar el espacio, todo ello sin olvidar el aspecto espiritual que envuelve su creación.

En 2009 realiza una exposición individual en la Fundación Pilar i Joan Miró y paralelamente se edita una serie de obra gráfica en los Talleres.

Christiane Löhr
Christiane Löhr
Sin título
Serie de grabados con la técnica de: barniz blando, punta seca y lavis
Dimensiones: 32 x 23 cm / 24 x 18 cm
Edición: 30 ejemplares, 3 H.C.

Christiane Löhr
Sin título
Serie grabados con la técnica de: barniz blando y lavis
Dimensiones: 32 x 23 cm / 24 x 18 cm
Edición: 30 ejemplares, 3 H.C.

 

Enlaces relacionados

web




CATÀLEG 10 ANYS D'OBRA GRÀFICA


 

Propietat intelectual 174 KB

Copyright permissions 174 KB

Propiedad intelectual 174 KB



WAYNE CROTHERS. The Island, 2001



WAYNE CROTHERS. (Melbourne, Australia, 1961)
Proyecto The Island, 2001. (6 xilografías encoladas sobre tela formando una sola obra de 225 x 214 cm.

La obra, La Isla, responde a las vivencias del artista y a sus observaciones en islas con entornos ecológicos aislados por tradición y con circunstancias evolutivas propias frente a influencias y presiones de agentes externos. El artista reflexiona sobre este tema y, sea cual sea la isla o continente observado – él se ha centrado en Australia, Japón y Mallorca-, esa confrontación resulta obvia. Algunas de las consecuencias han sido calculadas con una precisión variada, aunque son los efectos no previstos los que tienen una presencia más profunda y perjudicial.

Para la realización de la obra el artista utilizó, de forma libre y expresiva, una gran variedad de herramientas eléctricas para cortar los bloques de madera desde afiladoras, taladros y muelas hasta escoplos convencionales. En este proyecto, la fatiga física, el estado mental y el acto de corte e impresión posterior sobre el bloque de madera tienen gran importancia dotando a la obra de gran dinamismo y energía.

La Isla es una obra potente y orgánica que evidencia alguna de las constantes del artista, como es la presentación de elementos abstractos dentro de formas reconocibles.

Wayne Crothers cursó estudios de Arte y Diseño en el Victoria College de Melbourne, diplomándose en 1982. Interesado en expresar sus propios sentimientos de forma visual se lanzó al mundo para empaparse de experiencias de la vida real y durante varios años viajó por India, Pakistán, China, Oriente Medio y Japón.

Sintiéndose profundamente atraído por la historia, la cultura y la estética japonesa decidió trasladarse a este país para continuar su formación, realizando en 1996 un master en la Tama Arts University de Tokyo así como otros estudios en la Universidad de Kyoto. Asimismo se sintió interesado por el efecto del trabajo de la gubia sobre diferentes tipos de madera adentrándose en el campo de la xilografía e investigó los métodos de pintura tradicional así como el uso de pigmentos naturales y su efecto sobre soportes diversos.

 




WOLF Vostell. Serie Sarajevo, 3 fluxus pianos, 1995


El proyecto, Sarajevo 3 Fluxus Pianos, nace en 1993 a raíz del conflicto de los Balcanes y de la preocupación que suscitó en el artista la brutalidad desplegada en Sarajevo como ejemplo de la barbarie que amenazaba nuestra época.

El artista realizó una obra mixta que denominó ambiente-escultura-musical, consecuencia de obras anteriores y síntesis de todas sus anteriores experiencias. En ella queda reflejada su afirmación: ARTE = VIDA = ARTE

En los Talleres de obra gráfica de la Fundació Pilar i Joan Miró, Vostell realizó una carpeta compuesta de tres grabados y dos litografías offset. Los grabados corresponden al punto final de un proceso creativo en el que utilizó recortes extraídos de la prensa diaria con los que el artista denunciaba, una vez más, la violencia.

La presentación de la obra se llevó a cabo mediante un happening fluxus, valiéndose de tres pianos sobre los que el artista intervino con diferentes elementos: sierras mecánicas, una moto, cadenas, televisores, cámaras y demás artilugios pertenecientes a su propia iconografía. Aunque se pudiera pensar lo contrario, Vostell trataba las catástrofes desde un absoluto positivismo y con gran sentido documental.

Artista multimedia, WOLF VOSTELL realizó a principios de los años cincuenta sus primeros estudios de arte en Colonia, en los campos de pintura, fotografía y litografía, continuando su formación en Wuppertal en campos como la pintura libre y la tipografía experimental.

En su primer viaje a París, en 1954, acuñó el término dé-coll/age con el que pretendía diferenciarlo del collage tradicional, término que surgió de forma improvisada cuando el artista leyó un titular del periódico Le Figaro que le llamó la atención.

Incorporó a su iconografía imágenes y objetos representativos de la sociedad en la que vivía como la televisión, el avión y el coche, entre otros y los utilizó como recurso para denunciar política y socialmente temas como la guerra, la incomunicación, la violencia y el abuso de los medios tecnológicos. De este modo usó en sus pinturas jirones de carteles, fotografías emborronadas y objetos variados. Tanto sus obras materiales como sus acciones estuvieron impulsadas por un mismo principio, la estética de la destrucción que pretendía dar a conocer y hacer visible el carácter negativo y agresivo del mundo contemporáneo.